Una foto con varios directores de orquesta: ¿Quién los reconoce?   (Resolución abajo)

– I do not believe that you can go far if you start by denying or opposing the past.«  (Pablo Veron)

Rodolfo Biagi      fue el pianista que le puso pimienta al estilo de Juan d’Arienzo. En 1938 armó su propia orquesta, donde siguió dándole duro al staccato, su sello personal. Lo que lo hacía único eran esas pausas inesperadas que, más que silencios, parecían latidos del compás.  (Más info → aquí)

Miguel Caló       tuvo un gran talento para descubrir músicos excepcionales. Entre los artistas que incorporó a su orquesta se encuentran figuras como Osvaldo Pugliese, Orlando Goñi (quien más tarde alcanzaría notoriedad con Troilo), Horacio Salgán, Osmar Maderna, Domingo Federico y Armando Pontier – todos ellos grandes nombres que marcaron la historia del tango. En 1945 se disolvió su exitosísima Orquesta de las Estrellas, un conjunto legendario. Federico, Maderna, Francini y Pontier decidieron formar sus propias agrupaciones. Caló reorganizó su orquesta y continuó cosechando éxitos, aunque sin alcanzar el mismo nivel de excelencia y brillo que había caracterizado a Las Estrellas.  (Más info → aquí)

Francisco Canaro   fue un verdadero pionero del tango y un empresario autodidacta con gran olfato comercial. Ningún otro artista grabó tantos discos como él en el sello Odeon: registraba prácticamente todo lo que pasaba por sus manos, y con mucho éxito. Nos dejó milongas excelentes, sus valses tienen gran calidad, y entre sus primeros tangos hay piezas realmente interesantes. Aun así, y pese a su enorme aporte, no suele ser incluido dentro de los llamados 'Cuatro Grandes del Tango'.  (Más info → aquí)

Angel d'Agostino formó su primera orquesta en 1920, interpretando tanto jazz como tango, y ganándose la vida, entre otras cosas, acompañando películas mudas. A lo largo de los años, su nombre quedó estrechamente ligado al del cantor Ángel Vargas: juntos conformaron una de las duplas más duraderas asociaciones en la historia del tango. Desde 1940 hasta 1946, grabaron juntos 94 temas. Ninguna otra orquesta estuvo tan asociada al cantante, y por eso su nombre siempre se mencionaba en conjunto: d'Agostino-Vargas. No pasó mucho tiempo antes de que, por sus nombres, se ganaran el apodo de 'Los dos Ángeles'. Su música se caracteriza por un estilo sutil y contenido: rítmica clara, pero con un sonido suave y agradable. A lo largo de los años, su estilo se mantuvo casi intacto, sin grandes cambios.  (Más info → aquí)

Juan d'Arienzo    El 'Rey del compás' jugó un papel clave en la renovación del tango. Su orquesta, con su ritmo marcado y estilo rápido, logró atraer a la gente a la pista de baile. En esa época, d'Arienzo vivió un éxito arrollador. Era una presencia constante en la radio El Mundo. Su orquesta se presentaba como la principal en uno de los cabarets más prestigiosos de la ciudad, el Chantecler, y la fábrica de discos RCA Victor en Buenos Aires no lograba abastecer la demanda de sus grabaciones. Durante un tiempo, las disquerías vendían sus discos solo a quienes aceptaban llevarse, además, otro de otro conjunto. Su legado es impresionante, con más de 1000 grabaciones a lo largo de su carrera. Sin embargo, es curioso que, hoy en día, en Buenos Aires no se le reconozca el lugar que realmente merece. Al escuchar su música con más detalle, rápidamente se descubre que, además de ser perfecta para bailar, está llena de una increíble variedad de tesoros musicales. (Más info → aquí)

Alfredo de Angelis  Su música se describe como ligera y romántica. Sin embargo, esta etiqueta de 'música ligera y romántica' no siempre se interpreta como un elogio. Sus detractores y críticos la llamaban, de forma despectiva, 'música de calesita'. Pero para nosotros, los bailarines, eso no debería importar. Lo cierto es que de Angelis dejó grabados varios temas encantadores que son simplemente hermosos y que yo personalmente disfruto mucho. Su música fue muy popular, contaba con una fiel audiencia radial y le resultaba fácil llenar grandes salones de baile. En los años posteriores, de Angelis fue suavizando cada vez más su estilo, hasta volverse algo meloso. Sin embargo, no fue el único, también ocurrió con otras orquestas.  (Más info → aquí)

Julio y Francisco de Caro  Aunque la música de la orquesta de Caro rara vez se escucha en las milongas, los de Caro fueron, en su época, increíblemente populares y muy influyentes. El padre de los hermanos de Caro había sido director de la Academia de Música del Teatro Scala de Milán. Cuando el padre se enteró de que sus hijos, en lugar de dedicarse a la música clásica, querían tocar ese extraño tango de las clases bajas, los echó de la casa familiar. Tal vez los hijos querían demostrarle que la música del tango podía ser tan compleja como la clásica, y llevarla a un nivel superior. Los músicos debían practicar muchísimo para dominar los complejos arreglos (si los comparamos con los de otras orquestas de la época). La orquesta de los de Caro introdujo varias técnicas de interpretación nuevas, que luego serían adoptadas por otros conjuntos. 

Lucio Demare   es el creador de algunos tangos realmente hermosos, como Solamente ella (que también grabaron Lomuto y di Sarli). Pero su mayor éxito, sin lugar a dudas, fue el impresionante Malena. Su mayor hit lo compuso en tan solo 15 minutos, de un tirón, en un café, sin hacer ninguna corrección, a partir de una letra que había recibido del poeta Homero Manzi solo diez días antes. El estilo de Demare no es fácil de describir. Tiene una cierta afinidad con el de Caló, y generalmente se le describe como lírico y romántico.  (Más info → aquí)

Carlos di Sarli  es considerado uno de los 'Cuatro Grandes del Tango'. Su obra se puede dividir en tres grandes etapas: la interesante época de sus sextetos (hasta 1931); el renacer de 1939 con piezas rítmicamente acentuadas; y la etapa posterior, cuando sus tangos se hicieron cada vez más lentos. Fue uno de los pocos que mantuvo un nivel elevado de éxito hasta el final de la época dorada del tango.  (Más info → aquí)

Edgardo Donato   Las interpretaciones animadas y vibrantes de Edgardo Donato y sus Muchachos, que gozaban de popularidad en Europa, estuvieron mucho tiempo poco representadas en la escena del tango de Buenos Aires. Según un informante, no fue sino hasta el año 2000 que se lanzó una CD con su música, ya que antes solo existía un único LP. Una característica distintiva de su orquesta era la inclusión de un acordeón, además de los tradicionales bandoneones. Y mientras que en otras orquestas predominaban los cantantes masculinos, en la de Donato también se destacó la cantante Lita Morales. Poco se sabe sobre las razones detrás de la disolución repentina de la exitosa orquesta de Donato. Sin embargo, en mi opinión, la interpretación dramatizada y especulativa de la disolución, que desgraciadamente ha llegado a diversas publicaciones, es incorrecta.  (Más info → aquí)

            

Domingo Federico  es uno de los músicos cuya orquesta suele ser subestimada, aunque de manera injusta. Aprendió a tocar el bandoneón con su padre, y su hermana cuenta que llegaba a practicar hasta 14 o 15 horas al día. Mientras estudiaba medicina, continuó tomando lecciones con Pedro Maffia y Sebastián Piana. Su pasión por la música del tango lo llevó a abandonar la carrera de medicina para dedicarse por completo al tango. Tras diversos compromisos, entre ellos con Di Sarli y Juan Canaro, fue descubierto por Miguel Caló. Una de sus composiciones más conocidas es Al compás del corazón. En 1943, dejó la orquesta de Caló y formó la suya propia. Su primer disco de 78 revoluciones, con Saludos y La Culpa la tuve yo, fue un éxito comercial.  (Más info → aquí)

Roberto Firpo    Tras Canaro, Firpo fue el director de orquesta con más grabaciones (según M. Lavocah, más de 2000, de las cuales la mayor parte fueron realizadas con la técnica de grabación acústica). Realizó su primera grabación en 1913 con Odeon-Nacional, poco después de ganar un premio en un concurso. Entre sus composiciones más conocidas están Alma de bohemio, El amanecer y Fuegos artificiales. Con Firpo, el piano se convirtió en el instrumento principal del tango. Alrededor de 1913, se añadió el contrabajo, que acompañaba rítmicamente al piano. Esto dio paso al Sexteto típico: piano, contrabajo, dos violines y dos bandoneones. Esta evolución instrumental hizo que los conjuntos de tango que antes incluían flauta y guitarra ya no fueran tan ágiles, pues se veían obligados a tocar en lugares con piano. El tango, que en sus inicios era visto como música de los arrabales, fue ganando terreno en la ciudad. Firpo, quien fue un innovador en los primeros tiempos del tango con gran éxito comercial, fue superado por los nuevos desarrollos del género. Hoy en día, es raro escuchar sus grabaciones en las milongas, aunque esto también se debe a que las grabaciones más interesantes de su orquesta son escasas en CD, mientras que las grabaciones menos interesantes de cuarteto están más disponibles.

Osvaldo Fresedo   estaba tan cautivado por el sonido del bandoneón que abandonó la escuela de comercio. Se hizo con un bandoneón y se dedicó a aprender a tocar este difícil instrumento y a tocar tango, para horror de su padre, quien lo echó de la casa. En 1919, Fresedo fundó su primer sexteto, y fue pionero en la introducción de nuevas técnicas en el tango, como el juego staccato de los bandoneones o el crescendo conjunto de la orquesta. Pronto, músicos que serían estrellas más tarde, como Miguel Caló o Carlos di Sarli, formaron parte de su orquesta. Incluso Julio de Caro, quien más tarde sería considerado un 'revolucionario' del tango, tocó en su orquesta después de 1920. Para la mayoría de los bailarines, son especialmente conocidos los tangos melódicos a partir de 1933, como Vida mía o Cordobesita. Fresedo fue uno de los primeros en desarrollar un estilo melódico y suave. Muchas de las orquestas de 1933-34 seguían tocando el estilo rítmicamente más acentuado y duro. No fue sino hasta unos años después que otras orquestas comenzaron a poner la melodía en primer plano. Sin embargo, también encuentro sus grabaciones anteriores a 1933, con esa 'fuerza y garra', extremadamente interesantes.  (Más info → aquí)

.

Pedro Laurenz   tuvo su primera prueba de fuego en la orquesta de de Caro, donde tocó junto a su gran ídolo, el bandoneonista Pedro Maffia. Fue de Caro quien le dio el nombre artístico de Laurenz. Posteriormente, cuando Maffia dejó la orquesta de Caro, Laurenz se convirtió en primer bandoneón y permaneció hasta 1934, cuando formó su propia orquesta. En esa época, d'Arienzo estaba en la cima de su fama y dominaba el panorama. Carlos di Sarli seguía exiliado fuera de Buenos Aires, y tanto Troilo como Pugliese aún no aparecían en la escena del tango. En ese momento, en septiembre de 1937, Pedro Laurenz lanzó su primera grabación, Arrabal. Esta grabación fue tan ingeniosa y original que marcó una nueva y creativa dirección para el tango.  (Más info → aquí)

Francisco Lomuto   nació en una familia de músicos y, en 1920, se unió a la orquesta de Francisco Canaro. En el estilo de Lomuto, evidentemente, hay algunas similitudes con el estilo de Canaro, lo cual no es sorprendente, considerando que fue donde aprendió. No es raro, entonces, que algunos bailarines tengan dificultades para distinguir entre ambas orquestas. Canaro y Lomuto fueron amigos y continuaron siéndolo a lo largo de sus carreras, y ambas orquestas grabaron con frecuencia los mismos tangos en períodos cercanos. Las grabaciones de tangos similares (por ejemplo, Soy un Arlequín de 1929) no surgieron como competencia feroz, sino más bien como una colaboración artística. En la década de 1940, Lomuto comenzó a sonar claramente más melódico y suave. Su primer gran éxito en este estilo melódico fue Quiero verte una vez más en 1940.  (Más info → aquí)

Osmar Maderna   era el excelente pianista de la Orquesta de las Estrellas de Caló, y sus contemporáneos lo llamaban el Chopin del tango. En 1946 fundó con éxito su propia orquesta, que considero que aún recibe poca atención a pesar de su prometedor inicio. Su carrera terminó abruptamente cuando murió en 1951, a los 33 años, en un accidente aéreo, cuando su avión colisionó con otro.  (Más info → aquí)

OT Brunswick La Orquesta Típica Brunswick fue uno de las orquestas de casa discográfica que no actuaba en público, sino que grababa entre 1929 y 1932. Fue dirigida por nada menos que Pedro Maffia y, después de él, por Juan Polito. La etiqueta Brunswick desapareció del mercado argentino en 1932 debido a la crisis económica mundial, al igual que muchas otras discográficas.   (Más info → aquí)

OT Victor        La Orquesta Típica Victor era la orquesta de estudio del sello discográfico Victor. Lo peculiar de esta orquesta es que no hacía presentaciones públicas; solo tocaba en el estudio de grabación, y no tenía una dirección fija, como otras orquestas que se asociaban con un director específico. Además, su formación variaba. Dos nombres, en particular, se asocian con la OT Victor: Luis Petrucelli y Adolfo Carabelli.  (Más info → aquí)

Osvaldo Pugliese  El maestro Pugliese es considerado uno de los 'Cuatro Grandes del Tango'. Sabemos que su padre conocía a muchas personalidades importantes del tango. A los 15 años, Osvaldo Pugliese ya tocaba el piano y luego pasó por las orquestas de Roberto Firpo, de Caro, Pedro Maffia, Pedro Laurenz y Miguel Caló, hasta que en 1939 formó su propia orquesta. Su primera grabación no llegaría hasta 1943. Como comunista declarado, fue encarcelado en varias ocasiones por el régimen, pero su gran popularidad le protegió de peores consecuencias. Me gustan especialmente sus primeras obras, con esa intimidad única. Pugliese y sus músicos vivieron la época dorada del tango, el período de represión por parte de las autoridades, y el declive del género, pero también fueron testigos de la asombrosa resurrección del tango argentino en el mundo a partir de 1980.  (Más info → aquí)

Enrique Rodriguez  comenzó como bandoneonista, pero también tocaba piano y violín. Entre las primeras etapas de su carrera como músico, pasó por las orquestas de Juan Maglio y Edgardo Donato, aunque su permanencia en ellas fue corta. Sin embargo, parece que el estilo de Donato lo influyó bastante. Después de sus actuaciones en la radio, donde acompañó al cantante Francisco Fiorentino, fundó su propia orquesta en 1936 bajo el nombre La orquesta de todos los ritmos. En 1937, consiguió un contrato discográfico con Odeon, donde permaneció durante 34 años, grabando más de 350 discos.  (Más info → aquí)

Ricardo Tanturi   vivió una experiencia similar a la de Troilo: en 1937 y 1938 solo pudo grabar dos discos con Odeon. Cuando su contrato de exclusividad finalizó, cambió a RCA Victor. En los años 1941-1943, su popularidad explotó, en parte gracias a su cantante de voz distintiva, Alberto Castillo. Cuando Castillo dejó la orquesta a mediados de 1943 para seguir su propio camino, Tanturi encontró en Enrique Campos un nuevo cantante con una personalidad fuerte, quien resultó ser aún mejor para la orquesta.  (Más info → aquí)

Anibal Troilo    Las grabaciones de Troilo deberían estar presentes en todas las milongas. Fundó el núcleo de su orquesta alrededor de 1937, y en marzo de 1938 hizo dos grabaciones brillantes: Tinta verde y Comme il faut, que indicaron el comienzo de una nueva era. Al revisar la lista de grabaciones de Troilo, uno se sorprende al ver que las siguientes grabaciones no ocurrieron hasta 1941. ¿Por qué pasaron tres años sin grabaciones después de un inicio tan prometedor? Odeon tenía la mala práctica de contratar artistas solo para evitar que firmaran con la competencia. Sobre Troilo, se podría escribir mucho, por ejemplo, sobre el perfeccionamiento de su uso del ritmo y la forma en que conectaba melodía y canto junto con su cantante Francisco Fiorentino.  (Más info → aquí)

Michael KI, junio de 2020, traducido por S.Gattas 2025

A la foto con los directores de orquesta (de izquierda a derecha):
Edgardo Donato; Carlos di Sarli; desconocido; Anibal Troilo; Julio de Caro; Osvaldo Fresedo; Ricardo Tanturi; desconocido; desconocido.